Hay una competencia de diseño de créditos de películas en el Festival SXSW,
que comienza hoy en Austin, Texas, Estados Unidos. Es un reconocimiento de
la importancia que ha venido cobrando en los últimos años esta parte del
trabajo de realización, tanto en cine y en televisión. Fueron seleccionados
18 finalistas, entre ellos 2 series de televisión y 1 trabajo estudiantil.
Vértigo reunió para sus lectores cinco de las secuencias que
compiten y que pueden verse en Internet. Comprenden usos originales de la
tipografía, como en los créditos de la serie Bored to Death, creados
por Tom Barham, y los de Enter the Void, la más reciente película de
Gaspar Noe, diseñados por el director. Otro par destaca por el uso de la
escritura y el dibujo a mano. Son los de la serie Community, cuyo
diseño es de la compañía Sarofsky Corp, y del filme Wowie, creados
por el realizador, Craig Webster. La secuencia de créditos de Ladybird
de Christopher Harrell, un ejercicio estudiantil, tiene como
característica que es el demo de un filme que no ha sido realizado.
Como complemento la revista reunió una muestra de 10 secuencias de
títulos clásicas y actuales, entre las que se encuentran creaciones de Saul
Bass y Maurice Binder - Pablo Gamba
[Último cuerpo será
un homenaje a un poeta maldito del periodismo]
Comenzó en Caracas el rodaje de Último cuerpo, una película
escrita y dirigida por Carlos Malavé, basada en una idea original del
periodista Dámaso Jiménez y Adolfo López. El domingo la filmación se
trasladará a Maracaibo. Es un policial inspirado en un personaje legendario
de la vida real en el Zulia: Heberto Camacho, reportero del diario
Panorama, a quien Malavé llama un poeta maldito del periodismo.
Jiménez lo describe así: “Era un escritor que se negaba a escribir. Fabulaba
las historias de la vida real aunque todos los datos estaban allí. Había un
crimen pasional en el que no quedaban sobrevivientes, y él le ponía el
diálogo, por qué la mató y todo eso. Humanizaba los personajes y contaba lo
que podría haber ocurrido. El periodista de sucesos es un personaje, como
los zamuros, que siempre está buscando cadáveres. Él tenía una concepción
distinta. Con las mujeres era de una manera… con los cadáveres, quiero
decir. Con los muertos hombres era de otra, con los niños muertos, con los
delincuentes. Como ha estado tan cuestionado el periodismo, y la veracidad y
la objetividad, me pareció buena idea hacer un guión con ese personaje”.
Camacho investigaba los casos y conseguía informaciones que la policía no
tenía, cuenta su colega. Por eso no caía bien entre los funcionarios. Pero el público se
enganchaba y agotaba el periódico para leer historias como la del “Vengador
Anónimo”, un personaje poco grato a las organizaciones que defienden los
derechos humanos.
“Antes de que saliera el Hombre de la Etiqueta en la novela
Por estas calles, Camachofue a la morgue, le colocó la etiqueta
a un muerto y le tomó una foto”, relata Jiménez. Así empezó a contar una
historia y a crear un personaje. Todas las víctimas morían por una escopeta
especial que usaba la policía regional en aquel momento. Todos los muertos
eran delincuentes. El tipo empezaba a elucubrar de dónde podría venir el
Vengador Anónimo y la gente estaba pendiente de que algún día se descubriese
su identidad secreta. Otros periódicos comenzaron a titular ‘el Vengador
Anónimo’. Algunos decían, sobre todo policías, que se trataba del
periodista, porque a él lo acusaban de tener una doble moral. Nunca se
descubrió quién era”.
En la película está la historia del travesti Melba, quien le pasaba datos a
la policía sobre narcos y mafiosos. Un día apareció muerta. Ese es el primer
asesinato de una serie de crímenes. La investigación lleva al periodista a
descubrir cómo están involucrados los traficantes de droga y la delincuencia
organizada, así como la corrupción. “Básicamente lo que se dice es que la
inseguridad es un negocio”, sintetiza Jiménez.
Cuando leí lo que Dámaso había escrito me atrajo el personaje”, dice Carlos
Malavé. La película va a tener claves de cine negro en la fotografía. El
guión es un homenaje al tipo y gente de Maracaibo que ha leído el guión me
dice que, a pesar de no haberlo conocido, me acerco mucho. Debe ser cosa de
casualidad o inspiración”.
William Goite, Miguel Ferrari, Jean Paul Leroux y Mercedes Brito integran el
elenco de Último cuerpo. La fotografía está a cargo de Malavé,
quien fue el realizador de Por un polvo (2008), y dirigió La pura
mentira, aún no estrenada, para la Villa del Cine - Pablo Gamba
"En la PTJ había unos ladrillos de droga y los descubrió un
gato. Camacho le puso el nombre, y Fumita comenzó a ser usado para encontrar
droga"
Dámaso Jiménez
Andrés Agustí
[El tiempo, el espacio y
un personaje popular según Andrés Agustí]
La Cinemateca Nacional reeditó en DVD su compilación de cortometrajes de Andrés
Agustí. Incluye los cortos de ficción Struthio mobildotone (1980) y
Gabriela (1986), y los documentales Don Luis Zambrano (1984),
Tisure (1985) Rufino, el iluminado (1988) y Parque Central
(1992). Los 3 últimos son de esas películas que uno puede ver con asombro y
placer aunque hayan pasado 18 años o más desde que fueron realizadas.
Se debe a que Agustí es un realizador capaz de ir más allá aquello de lo que
tratan los filmes para tocar otros temas trascendentes. Ocurre en Tisure
con el tiempo. La cinta es documental sobre el artista popular de
Mérida, en los Andes venezolanos, Juan Félix Sánchez, y de las edificaciones
y esculturas que levantó en el lugar de donde toma el título. La narración
se desarrolla sobre la base de la historia de la crucifixión, resurrección y
ascensión de Cristo a los cielos, relatada a través de las piezas de
Sánchez. Está construida con fotografías que fijan los cambios de luz sobre
las piezas y sobre las montañas, al igual que el desplazamiento de las
nubes, los movimientos de un gato y otros detalles fugaces. Cristo, como
símbolo, es eterno, pero su sentido se manifiesta en el lugar y en el
momento dados en los que se percibe su representación, y el documental
registra poéticamente eso: la fugacidad de la luz –un tema de la pintura
impresionista– que lo hace visible de una manera única en un instante, al
igual que ocurre también con lo inmutable del paisaje –las montañas–, que
cobran en cada imagen un aspecto diferente, correspondiente a distintos
instantes. La misma paradoja de la coincidencia de lo fugaz y lo inmóvil se
expresa en la forma como fue realizada la película. Ella congela los
instantes, a pesar de que el cine es por naturaleza el arte de la imagen en
fuga, a través del uso del medio que la detiene en el tiempo: la fotografía.
En Parque Central Agustí articula la representación poética de
Caracas, a través de un elemento presente en casi todos los planos: el
complejo de edificios cuyo nombre da título al filme. El tema de la película
es el espacio. Por una parte los edificios son centro, eje de una dinámica
de vida que representada de otra manera resultaría inconexa, caótica. Pero
la cinta plantea también, como paradoja, la relación entre continente y
contenido, el todo y las partes. La intuición indica que la ciudad contiene
al edificio. Eso es lo evidente: está en la ciudad. Pero en la película la
ciudad también está contenida en el edificio. Ocurre a través de las
imágenes que captan las cámaras de vigilancia –y la cita de 2001: odisea
del espacio presenta un posible Parque Central que es máquina con
intenciones y conciencia, semejante a HAL 9000–. Y también en el reflejo de
la ciudad en las paredes de cristal, que tiene una irónica réplica en la
imagen de la torre en unos espejos que un vendedor exhibe en la calle y que
la multiplican.
Rufino, el iluminado es un documental sobre un curandero que sana con las manos. Pero no es un
filme antropológico ni explota el espectáculo de las curaciones. Es un
intento de entender cómo es posible que un hombre cure con las manos, que
lleva al espectador a asomarse a lo que no puede ser sino el misterio
insondable de una persona. Hay largos monólogos en primer plano en los que
el personaje, de mirada melancólica y voz pausada, deriva de lo que es
comprensible para cualquiera por experiencia hacia el relato de visiones y
la descripción de cómo siente electricidad en el cuerpo, sin solución de
continuidad. Lo cotidiano, lo místico y lo pseudocientífico se mezclan en su
discurso al igual que se muestra la prosperidad material que ha alcanzado
con su actividad espiritual. El Rufino del documental es un hombre que está
solo en medio de las multitudes que acuden a él por ayuda, y que anhela el
retorno a la naturaleza para aliviarse de la carga de su don. Hay un tópico
intelectualoide que identifica el personaje popular con la sencillez.
Rufino, el iluminado es un hermoso y contundente desmentido - PG
[La técnica le ganó a la
tecnología] Los seis Oscar de The Hurt Locker, incluido el de mejor película,sellaron el triunfo de la técnica cinematográfica sobre las nuevas
tecnologías que están cambiando el tipo de espectáculo que es el cine con
resultados económicos abrumadores, y que tenían en Avatar de James
Cameron su principal representante y otro en Up de Peter Docter y Bob
Peterson, dos cintas de exhibición estereoscópica en 3D. Los premios a la
mejor dirección para Kathryn Bigelow –la primera mujer galardonada por la
Academia estadounidense en ese renglón–; al mejor montaje, de Bob Murawski y
Chris Innis, y al mejor montaje de sonido, de Paul N. J. Ottosson, y mejor
mezcla de sonido, de Ottosson y Ray Beckett fueron un homenaje a la
habilidad profesional para crear una cinta cuyo atractivo descansa sobre la
capacidad de crear suspenso y sensaciones, además de la relevancia social de
la historia.
En ese triunfo de la técnica se inscribe también la ganadora del Oscar a la
mejor película en lengua extranjera, la argentina El secreto de sus ojos.
El de Juan José Campanella es un filme latinoamericano que deslumbra por su
trabajo fotográfico con la profundidad de campo y por la audacia de un
planosecuencia deslumbrante. Si en una época el cine de la región reivindicó
la imperfección como bandera, por razones válidas en esos tiempos, las cosas
ya no son de esa manera, y el virtuosismo de la realización puede ser una
carta de presentación de las cintas de América Latina en el presente.
Las películas más audazmente autorales tuvieron en el Oscar una relevancia
mayor que la esperada. Geoffrey Fletcher ganó el premio al mejor guión de
adaptación por Precious: Based in the Novel Push by Sapphire,
filme que destaca por su manera peculiar de encarar la tarea de hacer un
cine social esperanzador en tiempos de crisis y escepticismo con respecto a
las ideas del pasado, y el cortometraje de animación Logorama, hecho
con emblemas corporativos,puso de relieve el valor de la
irreverencia creativa para la Academia, incluido el irrespeto a los derechos
de propiedad intelectual de los que vive Hollywood.
Pero la recompensa de esas búsquedas tuvo un claro límite que marca el Oscar
al mejor guión original de The Hurt Locker, de Mark Boal. La Academia
premió la ficción cuya audacia consiste en ser fiel a los hechos y a la
sociedad, no el triunfo de la imaginación sobre la realidad de la historia
que representa Inglorious Basterds, escrita y dirigida por Quentin
Tarantino. Lo mismo se ve en la victoria de El secreto de sus ojos
sobre una película más radicalmente autoral como La teta asustada de
Claudia Llosa, de Perú.
Nada de eso significa que no se le haya hecho justicia al cine en el que las
nuevas tecnologías comienzan a renovar la forma de ver las películas. Se
reconoció su importancia con los Oscar a la mejor fotografía de Avatar,
por el trabajo en 3D de Mauro Fiore, y el de mejores efectos especiales, que
recayó en la misma cinta, así como con el premio a Up como mejor
largometraje de animación.
Por lo que respecta a las actuaciones no hubo sorpresas con respecto a los
favoritos: Jeff Bridges ganó el Oscar al mejor actor principal por Crazy
Heart, Sandra Bullock a la mejor actriz principal por The Blind Side,
Christoph Waltz al mejor actor de reparto por Inglorious Basterds y
Mo’Nique a la mejor actriz de reparto por Precious - PG
[La isla siniestra]
La isla siniestra no plantea, como tantos thrillers , un
rompecabezas de esos que invitan al espectador a poner en juego sus
habilidades de detective y tratar de descubrir por vía racional,
mientras la acción transcurre, el enigma que sólo se descifrará al
final. Se trata más bien de otro tipo de trama intrigante: aquella
que zigzaguea constantemente, aconseja no confiar demasiado en nada
de lo que se ve y pide paciencia para aguardar el sorpresivo giro
que traerá el desenlace revelador. El problema, en estos casos, está
en determinar si el impacto de la sorpresa justifica o no tanta
espera. Habrá opiniones divergentes.
Fernando López, La Nación Ver más/
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"Hubo
mucho de cubismo, sobre todo en el encuadre y el montaje. También
hubo algo de una película, un documental, que Arnie Glimcher hizo
sobre el cubismo en el cine, y sobre la influencia que tuvo el
séptimo arte en Picasso y Brock"
Martin Scorsese Ver más
La isla siniestra
[La isla siniestra]
Si la misteriosa postergación de su estreno, previsto originalmente para
octubre pasado (con lo cual hubiera calificado para las nominaciones al
Oscar), no fue suficiente para tender un manto de sospecha sobre la calidad
de la nueva película de Martin Scorsese, su estreno en la última Berlinale,
donde fue recibida por lo menos con indiferencia, viene empujando a La isla
siniestra al rincón del film maldito, a ese limbo del cual sólo el tiempo
eventualmente podrá rescatarlo. Pero aun reconociendo los problemas (algunos
muy evidentes) de una película que no está entre las mejores de su autor,
sería injusto no valorar aquello por lo cual ocupa un lugar excéntrico, casi
fuera de órbita dentro de la adocenada producción del Hollywood de hoy, más
aún teniendo como protagonista a una estrella de la magnitud y luminosidad
de Leonardo DiCaprio.
Luciano Monteagudo, Página/12 Ver más/
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Zona de miedo
[Zona de
miedo] 2004 en Bagdad.
Una cuadrilla del ejército estadounidense tiene a su cargo desactivar
explosivos sembrados por los iraquíes. Puede que estén debajo de la tierra,
en la cajuela de un auto, atados al torso de un hombre, dentro del cadáver
de un niño. Los soldados están relativamente protegidos por protocolos,
estrategias y tecnología, cuyo propósito es mantenerlos lo más alejados
posible de las bombas y, por lo tanto, de la muerte. Al sargento William
James (Jeremy Renner) ese propósito lo tiene sin cuidado: él toma,
literalmente, el asunto entre las manos. En cada caso de posible bomba,
James emprende el camino a pie, lleva consigo llaves y pinzas, y se toma el
tiempo necesario (muchas veces, más del necesario) para, entre una maraña de
cables, encontrar el fusible que detonaría el explosivo. Luego lo corta y se
lo lleva con él. Formará parte de su colección de cosas que, explica,
pusieron en peligro su vida (junto con los detonadores de bombas, su anillo
de matrimonio). El sargento James guarda el registro de 873 bombas
desactivadas. O, diría él, 873 recuerdos de momentos en los que supo
exactamente cómo fue que no murió
-
Fernanda Solórzano, Letras Libres Ver más/
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[Videos
experimentales de Ryan Trecartin]
Ryan Trecartin es un videoartista estadounidense cuyas obras se caracterizan
por una narrativa pop histérica, marcada por un ritmo vertiginoso y sin
pausa, un uso del color que exagera las tonalidades correspondientes los
ambientes, y una influencia del videoclip y las tecnologías del video
casero. Eso se combina con un evidente propósito de complicar
caprichosamente las cosas, en el que no es difícil adivinar una parodia de
las vanguardias, y una crítica inteligente y actual de la sociedad de
consumo.
K-Corea INC.K (section a) tiene por tema la homogeneidad cultural
producida por la globalización. Trata del "turismo de identidad", a través
de una serie de personajes que son la coreana-estadounidense, la
coreana-mexicana, la coreana-canadiense, etcétera. Sibling Topics (section
a) trata de la postfamilia, que para Trecartin es semejante a una
empresa, y comienza con unas imágenes chocantes sobre la maternidad. En los
dos videos no sólo son confusas las identidades nacionales y los papeles en
la familia sino también los sexos - Pablo Gamba
La huella de Hitchcock en Shutter
Island: Andrew Pulver se dio a
la tarea de compilar clips de los filmes del director británico que sirvieron de
inspiración a Martin Scorsese en diversas escenas de la película. Entre ellos están Psycho,
Vertigo, North by Northwest y Notorious. Ver más/ Comentar
al tanto
Menos películas, más dinero: En 10% aumentó la
recaudación del cine en Estados Unidos con 15% menos películas en
2009, informó la MPAA. En el resto del mundo el crecimiento fue de
7,6%. El número de salasdigitales se incrementó 86% en el año, y
aportan 11% del total de los ingresos. Ver más/ Comentar
Pagano, no satánico: "No
soy satánico, soy pagano. El satanismo es otra cosa. En el fondo hay
una apreciación de la naturaleza", dice Kenneth Anger en una
entrevista publicada en The Guardian. El cineasta underground
estadounidense, realizador de Fireworks y Scorpio Rising,
entre otros filmes, continúa rodando y espera poder publicar
la tercera entrega de Hollywood Babilonia, que se ha demorado
porque se ocupa de la Iglesia de la Cienciología, a la que
pertenecen Tom Cruise y otras personalidades influyentes. Ver más/ Comentar
A favor del chauvinismo político: "De
acuerdo con informaciones de prensa, los miembros de la Academia de
Ciencias y Artes Cinematográficas finalmente encontraron un filme sobre la guerra de Irak que les gustara porque es
'apolítico'. En realidad The Hurt Locker es lo contrario: es
un espaldarazo a la concepción política chauvinista de que el mundo
es un escenario en el que los estadounidenses lidian con sus
demonios sin importar las consecuencias que ello tiene para otros", escribe
Robert Sheer en un artículo sobre la cinta ganadora del Oscar a la
mejor película publicado en Alternet. Ver más/ Comentar
Dos venezolanas en Guadalajara: El festival de cine
comienza mañana en México con Historia de un día de Rosana
Matecki en la competencia iberoamericana de documentales y Jesús
TV de Gastón Goldmann y Héctor Orbegoso en el certamen de
cortometrales de Iberoamérica por Venezuela. Ver más/ Comentar
Santo Domingo inicia: Hoy comienza en República Dominicana la Muestra Internacional de
Cine de Santo Domingo, con Zamora de Román Chalbayd, y
Bloques de Carlos Caridad y Alfredo Hueck por Venezuela. Ver más/ Comentar
Diálogo
del documental con la ficción: "Desde
sus orígenes ha existido un diálogo entre cine documental y cine de
ficción. Ya algunos documentales de Lumière nacieron de una evidente
puesta en escena por parte de sus operadores. Lo mismo hizo Flaherty.
Y, desde el cine soviético clásico hasta el neorrealismo italiano,
pasando por la Escuela de Nueva York, esta interacción se
intensificó. Actualmente las cámaras digitales permiten registrar a
un actor protagonista de un filme de ficción entre una multitud de
figurantes que no saben que lo son. Nos admiró cuando lo hizo Godard
con Belmondo en los Campos Elíseos de París en
A bout de
souffle. Hoy en día es lo más fácil del mundo. Pero se
debiera superar este nivel anecdótico para hacer que los actores
interactúen con la realidad cotidiana, más allá de lo prescrito en
un guión elaborado en una oficina. Es decir, hibridizando ficción y
realidad", dice Román Gubern en una de varias entrevistas a críticos
que hizo Juventud Rebelde con motivo de la inauguración del
Festival Santiago Álvarez en Cuba. Ver más/ Comentar
Un pintor del cine: "La paleta
intensamente pictórica y sus sorprendentes imágenes surrealistas -como
ropas que cobran vida en una danza de los deseos humanos, o un
techo cubierto de libros cuyas hojas agita el viento- parecen ser su
principal fuerza. Es un filme sobre los sentidos y su celebración a
través de la imagen, la palabra y la música, incluso si es también una
oda a la cultura nacional armenia. A pesar de que el estilo es muy
diferente, el paralelo con el Andrei Rublev de Tarkovski es
innegable. La gente que lo apoyaba en los años ochenta vinculaban
también rápidamente a Parajanov con Pasolini y Kenneth Anger, mientras
que Steven Dillon ha señalado que el ángel niño cierra tanto El color
de las granadas como el Caravaggio de Derek Jarman", escribe
Ian Christie, en un artículo sobre el cineasta publicado en
Sight and Sound. Ver más/
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Recorrido por la historia Cinecittà: Cinecittà es un monumento a la ambición
absurda de Benito Mussolini, escribe Martha P. Nochimson en Cineaste. Pero agrega:
"La desesperación
de los tiranos es la esperanza milagrosa del arte".
El texto recorre la historia de los estudios italianos hasta los años
recientes, cuando se
han convertido en locación de filmes como Gangs of New York de
Martin Scorsese. Ver más/
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Tacto y contención: "Las
palabras para el cine de Rohmer eran tacto y contención, pensamiento
antes de la acción, discusión por encima de la impulsividad. Esas no
son, ciertamente, elecciones 'comerciales' para la mayoría de los
cineastas. Y aun así, Rohmer variaba su narrativa, elenco y locaciones
lo suficiente para evitar el curso de lo repetitivo. Nunca estableció
una compañía de valores para hacer desfilar su vanidad.
Sus historias siempre eran frescas, aun cuando fueran encajonadas en las
categorías de lo seriado",
escribe Andrew Sarris en Film Comment,
con motivo de la muerte de Eric Rohmer el 11 de enero de este año. Ver más/
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3D para 14.000 cines: Digital Cinema
Implementation Partners obtuvo financiamiento de 600 millones de
dólares para llevar el sistema de proyección estereoscópica a ese
número de salas en Estados Unidos. Ahora está a la búsqueda de un
acuerdo similar para instalar el sistema en cadenas pequeñas y
cines independientes. Para pagar el préstamo los exhibidores
contarán con la ayuda de los distribuidores, que no cobrarán por las
copias digitales. Ver más/ Comentar
La huella de Hitchcock en Shutter
Island:
Menos películas, más dinero:
Pagano, 
A favor del chauvinismo político:
Dos venezolanas en Guadalajara
Santo Domingo inicia:
Diálogo
del documental con la ficción
Un pintor del cine:
Recorrido por la historia Cinecittà
Tacto 
3D para 14.000 cines
