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Des-autorizados de Elia K.
Schneider
(foto: Nicolás Pineda) |
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La libertad
y el laberinto
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En Des-autorizados la directora del filme, Elia Schneider, es un
personaje autor que escribe la historia de otro personaje, que es
dramaturgo. A Elías Martínez, a su vez, se le rebelan los personajes de la
obra de teatro que escribe, Amantes sin destino, e intenta rebelarse
él mismo contra su mecenas, Bruno da Mata, a quien su agente vende la pieza
y cobra antes de que el escritor la haya terminado. Y Elia K. se burla de
todo con sus comentarios, como si contemplara historia desde una altura
olímpica, que irónicamente sabe que es precaria. “Hacer una película es como
sentarse a escribir en medio de una autopista. En cualquier momento viene un
camión y te hace puré”, dice.
Una pregunta que valdría la pena hacerse, conociendo los dos primeros
largometrajes de la realizadora, Huelepega (1999) y Punto y raya
(2004), ambos sobre crudos temas sociales de actualidad, es qué podría
haber en común entre ellos y Des-autorizados. Creo que hay dos cosas,
por lo menos: los temas de la libertad y del laberinto.
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la actualidad |
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[Temporada
de estrenos de cine venezolano]
Con el estreno el viernes de Des-autorizados de Elia K. Schneider, la
directora de Huelepega (1999) y Punto y raya (2004), se inicia
una temporada de cine venezolano que se extenderá hasta mayo, cuando
comienza el verano de Hollywood, según el cronograma que han hecho público
las distribuidoras. Hasta ahora incluye además Cheila, una casa pa' maíta
de la Villa del Cine, escrita por Elio Palencia y dirigida por Eduardo
Barberena, que llegará a las salas el 23 de abril, Subhysteria de
Leonard Zelig, que entrará en cartelera el 30 de ese mismo mes, y Hermano
de Marcel Rasquin, cuyo estreno está pautado para el 14 de mayo. Otra
cinta que podría estrenarse en mayo es Habana Eva, también de la
Villa del Cine, dirigida por Fina Torres. Se llegará así a seis filmes
nacionales en el primer semestre de 2010, a los que podrían añadirse más
adelante otros como Muerte en alto contraste de la Villa del Cine,
dirigido por César Bolívar, Taita Boves de Luis Alberto Lamata y
Días de poder de Román Chalbaud, otra producción de la Villa. Pareciera,
en síntesis, que va a rebasarse la cifra de ocho títulos venezolanos (más
una coproducción y un documental que se exhibió sólo en video) que llegaron
a las salas de cine del país el año pasado, a pesar de que sigue la crisis
económica.
Con motivo de la temporada de estrenos nacionales Vértigo lanza su
Página del Cine Venezolano, en la que están los trailers, sinopsis y datos
técnicos de las películas anunciadas. También el link a la entrevista que la
revista hizo a Elia K. Schneider con motivo del estreno, y enlaces a notas
sobre los rodaje de Hermano, Días de poder y de Último
cuerpo de Carlos Daniel Malavé y un corto insertado, Vueltas
de Javier Farías.
Vaya a la página del cine venezolano en Vértigo /
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"Yo
vengo del teatro, desde antes de hacer
Huelepega, desde 1980, vengo
haciendo un teatro en el que trato muchos de los temas de la
película. El hecho de que me interesen los temas sociales donde hay
exclusión e intolerancia, que me siguen interesando, no quiere decir
que no haya tenido toda una vida paralela a eso.
Des-autorizados es como
extender mi teatro hacia el cine. Esa es la idea de esta película"
Elia K. Schneider
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[El cine de los
barrios de Petare se extiende
a Barquisimeto]
En Barquisimeto están por terminarse dos películas hechas por gente de los
barrios de forma independiente y en las que participa Jackson Gutiérrez, el
realizador de la trilogía Azotes de barrio en Petare. La primera es
un corto de ficción, Veredas, en el que José Fernández colabora como
realizador con Gutiérrez, que también actúa. La otra un documental sobre la
santería y por qué la gente acude a ella. Se titula Yoruba, camino de
vida y es un trabajo conjunto del religioso Darmiro Anzola y el cineasta
caraqueño.
“Llegué a Barquisimeto por medio de mi compadre José Fernández, el
Superagente Max, que es cantante de reguetón, por Veredas. Él me
presentó a Anzola, que es su padrino, y me dijo que quería hacer un
documental sobre la santería. Alquilamos unas cámaras y me fui para allá con un camarógrafo de Ávila TV
que estaba de vacaciones. Hicimos el documental y después le pregunté cómo
se hacía para recibir collares. Él me dijo: ‘Tranquilo, que yo te los monto.
Tú tienes la bendición de los santos’. No me cobró nada. Me salieron unos
signos muy buenos. Yo no creía mucho en la santería porque veía que era un
bochinche porque mucha gente no respeta esa religión. Pero cuando entré a la
casa vi que se caminaba derecho allí. Y dije: ‘En esta casa yo me quedo. De
aquí no me saca nadie’”, cuenta Gutiérrez.
Anzola se extiende en la refutación de las críticas que suelen hacérsele al
culto: “Creo que la gente ha temido esta religión por falta de orientación.
La sociedad utiliza lo que le conviene de ella y luego la desecha. Lo
connotan a uno como religioso malo porque hay sacrificios, cosas que no
pueden llevarse a la escritura ni a las grabaciones. Mucha gente opina que
los sacrificios de animales son fanatismo. Nosotros sacrificamos animales de
la misma forma como se hace para comer. Así de simple”.
Los buenos signos que le salieron a Gutiérrez en aquella casa no lo han
ayudado todavía, sin embargo, con su proyecto de remake de Azotes de
barrio en Petare I para llegar con ella a los cines. Se decidió a tocar
las puertas de las instituciones, pero en la Alcaldía de Sucre, su
municipio, no logró concretar nada. Es escéptico también en relación con el
gobierno nacional. “Estamos viviendo una situación en la que las personas
quieren tapar el sol con un dedo. No quieren que uno muestre muchas cosas
que pasan. Mi película se trata de eso: de mostrar la realidad”, dice.
Veredas relata una historia característica de las películas que hacen Gutiérrez y
Yosmar Istúriz en Guatire, entre otros cineastas del barrio. Los
protagonistas son hermanos a los que la vida lleva por caminos diferentes:
uno toma el rumbo de la música, otro se hace delincuente y la hermana,
cuando estudia en la universidad, cae en la prostitución.
“Tiene como título Veredas porque el denominador común de los sitios
donde viven las personas de bajos recursos en el estado Lara es una vereda.
También se trata del camino fácil que toman en los actuales momentos los
jóvenes. Como la vereda es un atajo, le quise dar esa connotación. Es una
trilogía: los que cantan, los que roban y la chama que, por no aceptar los
consejos de su madre, cae en ese mundo”, sintetiza José Fernández.
En relación con el cine popular que comienza a surgir en la capital de Lara,
agrega: “En Barquisimeto se está dando de una forma muy independiente. No
tenemos apoyo de ninguna institución pública ni privada. Solamente de
personas que, como nosotros, creen en esto y tienen la fe de que pueden
lograrse cosas buenas” - Pablo Gamba
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[Cortometrajes de
Joaquín Cortés: crudas realidades]
El domador (1979), un clásico del cine documental venezolano, forma parte de la
compilación de cortometrajes de Joaquín Cortes de la Cinemateca Nacional,
que acaba de salir por primera vez en DVD. Las películas que la acompañan,
en especial Apuntes para un film (1974) y Sorte (1977),
constituyen en conjunto una invitación a volver sobre la obra del cineasta.
Podría decirse que ella se desenvuelve entre dos polos: uno que se percibe
como cercano al cine surrealista de Luis Buñuel, y es el de la atracción que
ejerce sobre su mirada la crudeza de la realidad, y otro dado por la
sensibilidad social de Cortés. En la tensión entre ambos cristaliza el genio
de El domador.
Es afín a Buñuel Apuntes para un film por la manera como el cineasta
es atraído por los detalles grotescos de la celebración de la Semana Santa
en un pueblo, como si en ellos estuviera expresada la más intensa realidad
de lo real. Ocurre con niños que juegan a ponerse como Cristo cuando las
cruces yacen en el suelo, en un plano que hace manifiesta la falsedad de la
representación porque se perciben las agarraderas, con lo que
contrasta el registro nocturno de la ceremonia, en el que el teatro del
sufrimiento resulta convincente en la oscuridad, pero le hace perder su
magia el cura, cuando acerca un micrófono al Cristo de la cruz para que diga
unas palabras que la banda sonora omite. En contraste con el tinglado
montado en torno al que se supone que sufrió y murió por todos, la película
muestra el viacrucis real. Un niño que mira el carro lujoso que atraviesa el
pueblo por la carretera, por ejemplo. Allí asoma el Cortés social.
Una fascinación más pura con la crudeza es la que se aprecia en Sorte.
La película está dedicada a los rituales mágicos del culto a María Lionza.
El tema y aquello que atrae la mirada de Cortés podrían prestarse para el
sensacionalismo, y un logro del documental es evitarlo. Lo consiguió
principalmente con la repetición: el sacrificio de un gallo podría ser un
espectáculo si se mostrara una sola vez; Cortés no omite la truculencia de
los planos detalle, pero cuando matan el segundo gallo y luego el tercero,
eso hace manifiesto que no se trata de un show sino de algo que simplemente
sucede y que forma parte de la realidad de ese lugar. Es el interés por
percibir lo más intensamente real de los rituales de Sorte –es decir, su
surrealidad– lo que da estructura a la película, que no es propiamente
un documental antropológico sino una cinta inconclusa, un apunte como el
filme antes comentado, y que es por definición el género del observador que
ve y registra –anota, diría un escritor– aquello que le conmueve.
El domador ha sido considerado como una respuesta a la forma de ver el llano del filme
que Elia Marcelli hizo para la Unidad Fílmica de la Shell Llano adentro
(1958). La película muestra la realidad más profunda, que es la del
hombre que subyuga con violencia a la naturaleza. La forma como se establece
el dominio sobre los animales es un detallado recuento de crueldades, desde
la perforación del hocico de las vacas y las marcas que se les hacen, hasta
la expresión más elevada de esa subyugación, que es la doma del caballo. Y
hay animales que ocupan un peldaño todavía inferior en la jerarquía que
corona el hombre, y se los toma y se los mata con palazos en la cabeza.
Todas estas actividades están acompañadas de planos de carne asándose y a
los llaneros comiéndose una vaca mientras amansan otra. El hombre es un
industrioso carnívoro.
En contraste con esto la película muestra a la gente del pueblo yaruro. Ellos
tienen otra relación con la naturaleza, que se manifiesta en las tallas que
hace un artesano y que retratan bellamente animales como los que el llanero
simplemente mata. Los indígenas son también víctimas de la depredación:
fueron despojados de sus tierras, como dice un cartel, y los azotan las
enfermedades. La polémica con Llano adentro culmina en con esa
inversión del mito del triunfo de la civilización sobre la barbarie, y es el
gesto de solidaridad que redondea el documental dejando en carne viva sus
tensiones - PG
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críticas |
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Alicia en el país de las maravillas |
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[La isla siniestra
y Alicia en el país de las maravillas]
Martin Scorsese y Tim Burton son (¿o eran?) dos
de los cineastas más distinguibles y personales
de Hollywood. Scorsese, desde los años sesenta,
y Burton, desde los ochenta, crearon mundos
propios, reconocibles, fascinantes en su
combinación de tensiones viscerales, costados
siniestros, apropiación de los viejos géneros
para aportarles nuevos significados y
preocupación por las dimensiones plásticas de la
imagen, de manifiesto en el expresionismo del
color, la escenografía, el montaje, los gestos y
poses de los actores. Taxi Driver, New York, New York,
El último rock, Toro salvaje, El
rey de la comedia o Buenos muchachos, fueron
cumbres en la obra de Scorsese, mientras que El
joven de las manos de tijera, Batman,
Batman
vuelve, Ed Wood y Marcianos al ataque, lo
fueron en la de Burton.
Sus cintas recientes, La isla siniestra, de
Scorsese, y Alicia en el país de las
maravillas, de Burton, no los muestran en la
mejor de sus formas, pese a que ambas contienen
asuntos, detalles, climas y situaciones cercanas
a lo mejor del cine de sus autores.
Ricardo Bedoya,
El Comercio
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[La isla siniestra]
Los amantes de Taxi Driver (1976) tuvieron que hacer un esfuerzo
adaptativo para creer que el musical New York, New York (1977) era
también obra de Martin Scorsese, el cineasta nacido en Queens (EE.UU.,
1942); Toro salvaje (Raging Bull, 1980) vino a desorientar
de nuevo a quienes pretendían encorsetarle, y no digamos la comedia loca
Jo, qué noche (After Hours, 1985); cuando dirigió Uno de
los nuestros (Goodfellas, 1990) algunos le veían
recuperado para el gran cine de autor, pero entonces se descolgó con la
excelente e incomprendida El cabo del miedo (Cape Fear,
1991), un inaceptable filme de género; como muestra de que seguía
haciendo lo que le daba la gana, a pesar de unos y de otros, dirigió
Casino (EE.UU.-Francia, 1995) y Kundun (1997); la épica
demostración de fortaleza escenográfica volvió a engañar a los talibanes
de la política de los autores en Gangs of New York (EE.UU.-Italia,
2002), que se encuentran otra vez como pollo sin cabeza tras ver Shutter
Island (2010). Y es que Scorsese es, bendita heterodoxia, algo tan
sencillo y complicado como un magnífico director de cine que logra hacer
suyas historias que no lo son: un brillante realizador de guiones
cinematográficos. Para algunos es poco. Para mí lo es todo.
Enrique Pérez Romero,
Miradas de Cine
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imágenes en línea |
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la opinión |
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 Ley paralizante:
"El sueño de todo cineasta es poder hacer cine independiente,
que al menos no tenga que pasar por la pesadilla de una comisión con
criterios de escogencia dudosos, que es la que autoriza los recursos
como la del CNAC", dice Elia K. Schneider, directora de
Des-autorizados, que se estrena mañana, en una entrevista
publicada en el diario El Mundo.
"La actual Ley de Cine es paralizante. No hay
una autoridad supervisando su aplicación. Las empresas
distribuidoras y exhibidoras no cumplen con algunos preceptos, como
la proyección de cortometrajes nacionales y trailers de películas.
¿Cómo puede desarrollarse el cine nacional en esas
condiciones?", agrega.
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al tanto |
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 Ser
cineasta, según
Alexander Kluge:
"En teoría todos pueden
serlo, siempre y cuando tengan una cámara. El hecho de que ahora
todos puedan serlo se lo debemos a la Revolución Francesa, pero una
cosa es cierta, la película que tenemos en la imaginación es
individual, y para hacerla se necesita de algo más.
"Lo voy a decir
así: cualquier persona es capaz de nadar, pero, por ejemplo, yo no
me atrevería a cruzar el Atlántico nadando para llegar con ustedes,
tampoco surfeando. Haría una lanchita o lo que es mejor, un buque de
vapor, pero necesitaría un capitán y una tripulación.
"Si alguien
tienen una cámara y a personas que lo ayuden a su alrededor, sí
puede ser cineasta. Además, requiere del contacto con otros
directores que ya han hecho películas, o sea, entra en juego la
historia cinematográfica; tendría que ser profesional", dice el
cineasta, uno de los firmantes del Manifiesto de Oberhausen con el
que empezó el movimiento del Nuevo Cine Alemán en 1962, en una
entrevista publicada en La Jornada con motivo de la presentación de una
retrospectiva de sus filmes en México.
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 Pedro Almodóvar seleccionó cinco joyas
del cine español:
El director de Los abrazos rotos (2009) fue invitado por
el Festival de Melbourne, en Australia, a programar una sección de
cine de su país. Escogió cinco filmes: Amantes de Vicente
Aranda, Tesis de Alejandro Amenábar, Atraco a las tres
de José María Forqué, Mater amantísima de José Antonio Salgot
y Los tramposos de Pedro Lazaga.
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 Las mejores de New Directors/New Films:
Indiewire
recomienda ocho títulos del festival del Lincoln Center, en
Nueva York, que comenzó ayer: 3 Backyards de Eric Mendelsohn,
el documental Bill Cunningham New York de Richard Press, la
cinta griega Kynodontas (Diente de perro) de Giorgos
Lanthimos, la rumana Cea mai fericita fata din lume (La
chica más feliz del mundo) de Radu Jude, la cinta rusa ganadora
de tres osos de plata en el Festival de Berlín Kak ya provyol
etim letom (Cómo terminé el verano) de Alexei Popogrevski, la
canadiense J'ai tué ma mère de Xavier Dolan, la mexicana
Norteado de Rigoberto Perezcano y el documental The Oath
de Laura Poitras sobre un guardaespaldas de Osama bin Laden.
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noticiero
latinoamericano |
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 Una
productora brasileña con 80 años de trayectoria:
El primer filme que produjo Adhemar Gonzaga fue Lábios sem
beijos, en 1929. El 15 de marzo del año siguiente fundó Cinédia,
con estudios en Río de Janeiro, y lanzó la segunda versión de ese
filme. Le seguirían 55 largometrajes. Humberto Mauro rodó para
Cinédia y la compañía trabajó para Orson Welles cuando filmó parte
de la inconclusa It's All True en Brasil, en 1942. En la
actualidad la empresa tiene como principal fin la preservación de su
patrimonio fílmico y se mantiene con el dinero de la venta de
imágenes y patrocinios eventuales. Folha de Sao Paulo le
dedica una nota al 80° aniversario.
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 Una
de mujeres pioneras:
El documental chileno Retrato de mujeres pioneras de
Isabel Burr (foto), sobre Marina Verdugo Soto y Leyson, de más de
100 años de edad, que vive en la Patagonia chilena, abre la 9°
Muestra Cine y Mujeres en Santiago.
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la empalizada |
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 Alicia
a través
de las cámaras:
Mark Sinker escribe
sobre las adaptaciones cinematográficas de los libros de Alicia de Lewis
Carroll en Sight and Sound. Abarca desde la primera versión conocida, de
1903, hasta Alice de Jan Svankmajer (1988) (foto).
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 Ruta a Monte Hellman:
Miradas de Cine
publicó un dossier sobre el realizador del filme de culto Two-Lane Blacktop (1971), entre muchas otras películas. Incluye un texto
introductorio, un artículo sobre el final del filme citado y críticas de
sus cintas.
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 Psicosis revisitada:
"Psicosis
está entre los pocos filmes que nunca cesan de fascinar
virtualmente a todo el mundo, lo hayan visto o no. Ciertamente no
se ríen en los momentos incorrectos y se sorprenden cuando les digo que
Hitchcock lo consideraba como una comedia, hasta que agrego lo que me
dijo en 1972, que si hubiera querido contar la historia de forma
verdaderamente seria, la habría filmado como un caso de estudio con
toques 'misteriosos'", escribe
David Sterritt en Moving Image Source.
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la industria |
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 South of the Border tiene fecha
de estreno en Estados Unidos:
El 25 de junio llegará a los cines en Nueva York y el 2 de julio
en Los Ángeles. Es una película de Oliver Stone sobre Hugo Chávez y
los demás gobiernos de izquierda de América Latina.
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Una wayuu venezolana premiada en
Marsella:
